Crudelia: recensione del live action Disney

Crudelia arriva al cinema! La coppia Emma Stone e Emma Thompson fa scintille nel divertente spin-off basato sulla cattiva de La Carica dei 101.

Finalmente si torna in sala! Dopo quasi un anno si torna a respirare l’odore dei pop corn in questo primo vero weekend di apertura delle sale cinematografiche.

E lo abbiamo fatto sicuramente in grande stile, con un inaspettato quanto divertente approfondimento sul famoso film animato Disney. Un approfondimento di cui forse ancora non sapevamo di aver bisogno.

Il compito di Emma Stone in questa versione incredibilmente divertente, frenetica e dagli splendidi costumi diretta da Craig Gillespie è quello di aiutarci a capire la nascita nel personaggio di Crudelia – la persona che era prima di iniziare a rapire i cuccioli di dalmata. 

Con una durata di circa 2 ore e 16 minuti, Crudelia segue un lungo, a tratti lento, percorso per contestualizzare le origini della protagonista. 

La trama

Il film inizia nell’Inghilterra degli anni ’60 con la giovane ribelle Crudelia (Tipper Seifert-Cleveland), il cui vero nome è Estella, che lotta per adattarsi.

Dopo alcuni litigi con la madre, scopriamo che non se la cava molto meglio a scuola, dove i suoi capelli bicolori la rendono un bersaglio di bulli e i suoi tentativi di difesa la portano nell’ufficio del preside. La sua unica amica è Anita Darling (prima interpretata da Florisa Kamara, poi da Kirby Howell-Baptiste, che abbiamo già conosciuto nel film animato). Con Estella sul punto di essere espulsa, sua madre la ritira da scuola, fa le valigie e la porta via, a Londra.

 Le due si fermano in una maestosa casa di campagna dove la madre, restando vaga, sembra aver qualcosa da sbrigare e ordina a Estella di rimanere in macchina. Disobbidendo, Estella decide di esplorare e quello che trova in casa – una sfilata di moda piena di splendidi abiti – le fa impazzire e riscalda il suo cuore di aspirante stilista. “Per la prima volta nella mia vita”, si meraviglia attraverso la voce fuori campo, “Mi sentivo come se appartenessi a questo posto“.

Segue il caos e Crudelia si ritrova a scappare da guardie di sicurezza e tre dalmati arrabbiati, finendo sulla veranda della tenuta, dove vede sua madre parlare con una figura misteriosa. In una svolta inaspettata, i cani attaccano la madre di Crudelia, spingendola fuori dal bordo della terrazza.

La sua morte tormenta Estella, che incontra e si unisce a una banda di ladri orfani (Jasper di Ziggy Gardner e Horace di Joseph MacDonald). Ora interpretata da Stone, la nostra protagonista trascorre anche molto tempo in guerra con se stessa: dovrebbe abbracciare Estella, la ragazza gentile e ben educata che sua madre voleva che fosse, o liberara Crudelia anarchica e diabolica?

Mentre la storia si sposta negli anni ’70, Crudelia, grazie a Jasper (ora interpretato da Joel Fry) e Horace (ora interpretato da Paul Walter Hauser), ottiene un lavoro in una prestigiosa casa di moda. Qui il film vira sul terreno de Il Diavolo Veste Prada ed è un fantastico vedere la Stone ed Emma Thompson (nei panni della baronessa Miranda Priestley la responsabile della casa), mentre digrignano i denti a vicenda e si sfidano a colpi di moda.

Leggi anche Il teaser di Cruella ci dice qualcosa di più sulla storia della cattiva Disney

Crudelia: un personaggio reinventato

Il film affronta l’arduo compito di portare lo spettatore ad empatizzare con il personaggio di Crudelia. E non è facile, penserete. Perchè mai dovrei empatizzare con una psicopatica che per un intero film ha cercato di rapire e scuoiare dei cuccioli per realizzare un abito?

In effetti è complicato, e il film evita riferimenti alla vicenda che tutti noi conosciamo (se non facendo solo qualche accenno), per lasciare spazio ad approfondire tutta una serie di sentimenti e legami affettivi intorno a Crudelia.
Le ingiustizie subite nella sua infanzia, la morte della madre, il desiderio di rivalsa e di vendetta.
Ma viene approfondito anche il rapporto con Jasper e Horace (Gaspare e Orazio), che abbiamo conosciuto come maltrattati scagnozzi sottomessi, ma che qui assumono un ruolo molto più importante. Li vedremo nei panni di complici quasi alla pari della nostra protagonista, che l’hanno salvata da piccola e ai quali lei si rivolge più volte come la sua “unica famiglia”.

Richiami al film animato

Trattandosi di uno spin-off, nonchè di una origin story, il film non può che fare riferimenti al film animato originale.

Nel corso delle due ore troveremo personaggi già conosciuti come Anita e Rudy, vedremo l’imponente tenuta dei De Mon, scopriremo da cosa deriva l’ossessione della protagonista per i cani dalmata e vedremo alcune scene iconiche (come quella dei cani che assomigliano ai padroni) ricreate e rivisitate.
Ma la vera scena che accontenterà i nostalgici è quella post-credits in cui sentiremo anche una rivisitazione del motivetto che a tutti noi balza in testa quando pensiamo a Crudelia De Mon.

La moda e la musica

Nonostante alcuni problemi, ciò che manca a Crudelia nella sceneggiatura, viene compensato in puro impatto visivo, con gli abiti squisitamente dettagliati della costumista Jenny Beavan che arricchiscono in particolare l’universo angoscioso e sinistro che il film evoca. Dall’elegante abito dorato scozzese della Thompson e dagli abiti spettacolari ai guanti bordati di pizzo, alle gonne peplo e a un abito fatto di giornale, i costumi sono opere architettoniche ed estetiche che rendono omaggio all’intero mondo della moda.
Una parte importante è ricoperta anche dalla colonna sonora tra cui troviamo, tra gli altri, pezzi rock dei Rolling Stones, Deep Purple, Queen, accennando lievemente al movimento punk londinese di quegli anni.

Opinioni su Crudelia

Che dire? Sicuramente un film divertente, bello da vedere (dal punto di vista estetico. Ragazzi, non sono appassionato di moda, ma i costumi lasciano davvero a bocca aperta) e con delle buone prove attoriali del cast.
Un film al passo con i tempi che ci narra qualcosa di più su uno dei cattivi Disney più iconici e che ci porta a scoprire qualcosa di più su altri personaggi (come Gaspare e Orazio).

A noi sicuramente è piaciuto e ve lo consigliamo. Sicuramente se siete amanti del film animato, ma secondo noi il film si regge in piedi benissimo anche come film a sè stante, in quanto i riferimenti al film originale sono solo un contorno per una storia capace di interessare e reggersi benissimo in piedi da sola.

Per saperne di più

Altri articoli

La fine della più grande rapina del secolo è qui. Netflix ha colto di sorpresa i fan, annunciando le date di uscita della stagione 5 de La casa di carta con un teaser da cardiopalma.

Questa volta, la banda è tornata con più rabbia e munizioni di prima. Non hanno intenzione di dimenticare il sacrificio di Nairobi. Ora è più di una rapina. È la guerra. E il teaser lo dimostra con numerosi flash tratti da vari momenti della stagione in arrivo.

La parte migliore del teaser è il modo in cui trasmette le emozioni di ogni membro della banda al rallentatore, ognuno che combatte per vendicare una perdita personale. E tutto questo è impostato sulle melodie, non di “Bella Ciao” ma di “In The End” dei Linkin Park, aumentando le emozioni del pubblico.

C’è anche molta azione nel teaser. E intendo, molta! L’esercito è dentro la banca e sta facendo di tutto per assicurare la resa della banda. Ma la banda non si arrende. Mentre i membri si fanno strada all’interno della Banca di Spagna, si vede Il Professore dall’esterno. Un’inquadratura a sorpresa di mani legate a una sedia suggerisce che Alicia Sierra è riuscita a sopraffare Sergio e lo ha preso in ostaggio.

Leggi anche Sconto del 20% su tutti i prodotti Pampling (t-shirt anche a tema La Casa Di Carta)

Trailer

Quando esce la stagione 5 de La Casa di Carta?

Attraverso il teaser, Netflix ha anche rivelato che la stagione 5 de La Casa di Carta sarà trasmessa in due parti. Mentre la prima parte arriverà il 3 settembre, la seconda parte debutterà il 3 dicembre.

Parlando di questa quinta stagione, il suo creatore Álex Pina ha detto in una dichiarazione:

“Quando abbiamo iniziato a scrivere la parte 5 nel bel mezzo della pandemia, abbiamo sentito che dovevamo cambiare ciò che ci si aspettava dalla stagione di dieci episodi e abbiamo usato ogni strumento possibile per creare la sensazione di un finale di stagione o di serie nel primo volume stesso. Abbiamo deciso di lavorare in modoestremamente aggressivo, mettendo la banda alle corde. Nel secondo volume, ci concentriamo maggiormente sulla situazione emotiva dei personaggi. È un viaggio attraverso la loro mappa sentimentale che ci collega direttamente alla loro partenza”.

La Casa di Carta ha come protagonisti Álvaro Morte, Úrsula Corberó, Pedro Alonso, Itziar Ituño, Najwa Nimri, Jaime Lorente, Miguel Herrán, Esther Acebo, Rodrigo de la Serna, Darko Perić e Hovik Keuchkerian tra gli altri.

Fonte: indianexpress.com

Altri articoli

A sorpresa è stato rilasciato il primo trailer del nuovo film Marvel Eternals, in uscita prima di quanto pensiate.

Il primo teaser ufficiale per Marvel’s Eternals è qui, dandoci il nostro primo sguardo alla più recente e più antica famiglia di supereroi Marvel.

Possiamo anche notare la passione di Chloé Zhao (regista del film) per il naturalismo, cosa che sicuramente un’aggiunta diversa e affascinante al Marvel Cinematic Universe.

Il teaser ci ha anche presentato l’incredibile cast del film che include Richard Madden, Gemma Chan, Kumail Nanjiani, Lauren Ridloff, Brian Tyree Henry, Salma Hayek, Lia McHugh, Don Lee, Barry Keoghan, Kit Harington e Angelina Jolie.

Il teaser trailer mostra l’enorme ruolo che gli Eterni hanno avuto nella storia dell’umanità, aiutando e insegnando per migliaia di anni, ma senza mai interferire, fino ad ora.

Leggi anche La Marvel segretamente al lavoro su film non ancora annunciati?

Cosa stavano facendo durante tutto quello che è successo nell’MCU finora? Chi lo sa, ma a giudicare dalla parte finale del trailer in cui McHugh chiede chi guiderà gli Avengers ora che Rogers e Stark non ci sono più, probabilmente avremo un sacco di crossover con gli eventi del MCU, e chi non ama rivisitare gli stessi eventi che abbiamo già visto ma da una prospettiva diversa?

Trama di Marvel’s Eternals

Questa è la sinossi ufficiale di Marvel’s Eternals:

“Eternals” dei Marvel Studios dà il benvenuto ad una nuova ed eccitante squadra di Super Eroi nel Marvel Cinematic Universe. La storia epica, che abbraccia migliaia di anni, presenta un gruppo di eroi immortali costretti ad uscire dall’ombra per riunirsi contro il più antico nemico dell’umanità, i Devianti. L’eccezionale cast include Richard Madden come l’onnipotente Ikaris, Gemma Chan come Sersi che ama l’umanità, Kumail Nanjiani come Kingo dai poteri cosmici, Lauren Ridloff come la velocissima Makkari, Brian Tyree Henry come l’intelligente inventore Phastos, Salma Hayek come il saggio e spirituale leader Ajak, Lia McHugh come l’eternamente giovane, vecchia anima Sprite, Don Lee come il potente Gilgamesh, Barry Keoghan come il solitario Druig, e Angelina Jolie come la feroce guerriera Thena. Kit Harington interpreta Dane Whitman”.

Trailer

Potete (e dovete) guardare il primo teaser di Eternals qui sotto, mentre aspettiamo la sua data di uscita del 5 novembre.

Fonte: collider.com

Altri articoli

Una convincente teoria dei fan della Pixar suggerisce che Nemo non è mai esistito veramente in Alla ricerca di Nemo. Ecco uno sguardo alla cupa credenza che circonda il viaggio di Marlin.

Alla ricerca di Nemo potrebbe nascondere un messaggio oscuro basato su un’intrigante teoria dei fan che riguarda la trama del film Pixar del 2003. Diretto da Andrew Stanton, Alla ricerca di Nemo ha segnato il quinto film nella storia degli studi di animazione. Con un cast vocale che includeva Albert Brooks, Ellen DeGeneres, Alexander Gould e Willem Dafoe, la storia vedeva un pesce pagliaccio di nome Marlin imbarcarsi in un viaggio per trovare il suo figlio scomparso, Nemo. Anche se il film è stato un successo assoluto per gli spettatori di tutte le età, la verità nella ricerca di Nemo da parte di Marlin potrebbe essere stata più triste di quanto si pensasse inizialmente.

A parte la Teoria Pixar, che collega tutte le pellicole esistenti in un unico universo condiviso, ci sono diverse teorie degne di nota su Alla ricerca di Nemo. Infatti, c’è una presunta teoria che collega Alla ricerca di Nemo a Toy Story 3, in particolare la sorella di Andy, Molly. Gli spettatori hanno subito notato che Molly leggeva una rivista che presentava in copertina Darla Sherman, la nipote del dentista di Alla ricerca di Nemo. C’era anche una credenza popolare che suggeriva che Dory avesse una perdita di memoria a breve termine a causa della morte della sua famiglia. Questo non si è rivelato essere vero sulla base degli eventi di Alla ricerca di Dory, che ha visto il regale pesce tang blu riunirsi con i suoi genitori.

Leggi anche Shrek 20 anni dopo: l’eredità del film che ruppe gli schemi

Certo, la situazione che circondava Dory nel film originale non era l’unica cupa teoria che circondava un personaggio centrale. Un’altra oscura teoria postula che Nemo non sia mai esistito nel film, e che invece il piccolo pesce pagliaccio fosse un prodotto dell’ immaginazione di Marlin. Il nome Nemo si traduce sospettosamente in “nessuno” in latino, il che significa che il titolo del film Pixar potrebbe essere cambiato in ” Alla ricerca di Nessuno”.

La particolare teoria dei fan della Pixar presenta l’idea che Marlin abbia davvero perso sua moglie e i suoi futuri figli a causa dell’attacco di un barracuda. Tuttavia, dove la trama si discosta è la presenza di un uovo di pesce sopravvissuto prima di diventare Nemo nella linea temporale primaria. Invece, stando a quanto sostengoni i fan nella teoria, Marlin avrebbe inventato Nemo dopo che tutte le uova sarebbero state distrutte come un modo per affrontare la tragica perdita della sua famiglia. In Alla ricerca di Nemo, Marlin si è mostrato come un padre molto iperprotettivo che farebbe di tutto per la sua famiglia. Secondo la teoria, il suo viaggio alla ricerca del “figlio scomparso” potrebbe essere stato parte del meccanismo di coping nel tentativo di superare la sua perdita. C’è anche da notare che il viaggio ha dato a Marlin un modo per lavorare sulle sue insicurezze mentre imparava importanti lezioni di vita da coloro che incontrava durante il suo viaggio.

Mentre la teoria che suggerisce che Nemo non sia mai esistito è interessante, sembra comunque un po’ troppo cupa per gli standard della Pixar. Anche se lo studio non evita la morte e la perdita, il film non si sarebbe concentrato su sequenze raccontate dal punto di vista di Nemo se non fosse mai esistito. La coppia non sarebbe stata inserita nel sequel Alla ricerca di Dory se Nemo non fosse stato un vero pezzo della storia. Anche se la teoria non ha forti gambe su cui reggersi, alcune delle basi del viaggio di Marlin in Alla ricerca di Nemo rimangono vere. Il padre ha effettivamente vissuto una tragedia prima che Nemo arrivasse, e andando in missione di salvataggio, impara importanti lezioni su cosa significa essere il miglior padre possibile per Nemo.

Fonte: screenrant.com

Altri articoli

Quest’anno è stato il 20esimo anniversario di Shrek.

Le sale cinematografiche negli anni ’90 erano dominate da fiabe animate in versione musical. La rinascita del dipartimento di animazione della Disney attraverso titoli come La Sirenetta e Aladdin ha ispirato un’ondata di imitazioni che ha assicurato che non ci fosse carenza di principesse che cantavano su una scogliera sui loro più grandi desideri. Alla fine del decennio, i cliché di questi film erano evidenti. Il pubblico era pronto a vedere qualcosa di diverso nell’animazione. Che se ne rendessero conto o meno, gli spettatori erano pronti per Shrek.

Anche se oggi i tratti distintivi di Shrek ci sono diventati familiari a causa dei meme dilaganti su internet, c’è stato un tempo in cui questo stile umoristico rompeva completamente gli schemi. L’uso di canzoni pop in un’ambientazione da fiaba d’epoca era da solo un’innovazione. Il fatto che trattasse i punti fermi delle fiabe (come l’Uomo di Pan di Zenzero o Pinocchio) con irriverenza piuttosto che con il solito buonismo era altrettanto nuovo. In cima a tutto ciò, centrare la storia su un orco scorreggione che faceva battute sui genitali maschili distanziava ulteriormente il film da personaggi come Ariel o Hercules.

E poi c’erano i sentimenti di isolamento esplorati nei personaggi principali di Shrek. A differenza dei protagonisti animati degli anni ’90 che volevano cercare l’avventura “nel grande mondo”, Shrek voleva solo tornare a casa nella sua palude. Non voleva lasciare il suo sporco domicilio per paura che “la gente mi giudicasse prima ancora di conoscermi”. C’è un terrore sia in Shrek che in Fiona legato al fatto che la gente scopra il vero te. Questo tipo di vulnerabilità emotiva è sempre terrificante, che tu sia un orco animato o una persona normale. È un concetto che i tipici film d’animazione per bambini di solito evitano, ma che Shrek affronta di petto.

In questo e in innumerevoli altri modi, Shrek era sfacciatamente diverso dal tipo predefinito di animazione per famiglie all’epoca. Questo includeva i precedenti sforzi della DreamWorks Animation come Il Principe D’Egitto e La Strada Per El Dorado, che cercavano di fare versioni più adulte di classici musical animati con vari gradi di successo. La grandiosità de Il principe d’Egitto è stata sostituita dalle vibrazioni da viaggio di Shrek e dalle battute su Ciuchino che si complimenta con uno dei massi di Shrek. Nel 2001, quando Shrek mandò il pubblico fuori dal teatro con una ripresa energica e contagiosa di “I’m a Believer”, era difficile immaginare che questo tipo di narrazione potesse mai diventare stantia.

Leggi anche Deadpool 3: Zazie Beetz non è sicura se domino tornerà

Poi di nuovo, era anche difficile immaginare le lezioni sbagliate che Hollywood avrebbe tratto dal successo di Shrek. Sulla scia degli enormi guadagni al botteghino di Deadpool, il regista James Gunn è sceso sui social media per implorare i dirigenti dello studio di non trarre le conclusioni sbagliate. In particolare, sperava che gli studi rivali avrebbero cercato di replicare il successo di Deadpool facendo film che fossero unici e che non parlassero al pubblico. Tuttavia, ha previsto con disinvoltura che avrebbero semplicemente pensato che la classificazione R di Deadpool e il vago concetto di meta-umorismo fossero le ragioni del successo del film.

La previsione pessimistica di Gunn sul comportamento degli studi cinematografici riflette il tipo di pensiero che Shrek ha tragicamente ispirato. Il suo gigantesco successo non ha ispirato altri studi di animazione a guardare fuori dagli schemi e a produrre progetti altrettanto eccentrici. Invece, Shrek ha ispirato una mini-onda di altri film d’animazione che hanno fatto un’acida ripresa postmoderna delle fiabe. Shrek è stato fatto come una risposta allo status quo del cinema d’animazione negli anni ’90. Ora, film come Shrek erano il nuovo status quo. La sovversione era diventata l’istituzione.

Tra queste imitazioni c’era una manciata di film ben apprezzati, come Cappuccetto Rosso e gli insoliti sospetti del 2006, che almeno usava una struttura narrativa non lineare per rendere più piccante la formula della fiaba comica. Nel complesso, però, questa tendenza non ha prodotto molti classici. Qualcosa come Cenerentola e gli 007 nani era tanto generico quanto l’originale Shrek era creativo. L’influenza di Shrek è diventata così diffusa che si è estesa anche alla stessa Disney Animation. Il film Chicken Little del 2005 dello studio ha portato più di un accenno all’influenza di Shrek nel suo approccio saturo di cultura pop su un uccello che pensa che il cielo stia cadendo.

E poi c’era la nuova tendenza di chiudere i film con una festa da ballo impostata su un famoso brano pop. Stabilito in Shrek con una sequenza impostata sulla cover di Smash Mouth di “I’m a Believer”, si potrebbe facilmente perdere il conto dei successivi film d’animazione che hanno scelto di chiudere la loro storia con una scena simile, indipendentemente da come si adatta alla storia. Questo era particolarmente vero per i titoli della DreamWorks Animation, che avrebbe usato di tutto, da “Bad” di Michael Jackson a una cover di Christina Aguilera di “Car Wash”.

In retrospettiva, è sconcertante pensare che questo è ciò che i dirigenti dello studio pensavano davvero che al pubblico piacesse di più di Shrek. Gettare una canzone pop su un’ambientazione fiabesca non è sufficiente per fare il prossimo Shrek. Fare una commedia che risuoni per tutte le età con personaggi in cui si può investire è stato l’ingrediente segreto di Shrek.

Queste qualità mancavano nella maggior parte delle imitazioni di Shrek e anche nei successivi sequel di Shrek come il triste Shrek Terzo. Quanto i tratti distintivi di questo franchise fossero diventati di routine è diventato evidente nel momento in cui il quarto film di Shrek è arrivato nelle sale. Shrek Forever After del 2010 ha guadagnato l’incasso interno più basso della serie con un margine considerevole. Sei mesi dopo il suo debutto, la Disney Animation ha rilasciato il suo film di ritorno, Rapunzel. Questo spin aggiornato sulla storia di Raperonzolo aveva sprazzi di umorismo moderno, ma con il suo tono sincero e con i brani di Alan Menken, è stato fatto nello stampo dei classici film Disney (il tipo che l’originale Shrek prendeva in giro).

Rapunzel finì per diventare un grande successo, solidificando il ritorno delle fiabe Disney. Shrek era ormai superato proprio dal tipo di film che doveva sovvertire. Negli oltre dieci anni trascorsi dalla chiusura della saga di Shrek, le fiabe Disney sono diventate sempre più popolari grazie a nuovi film d’animazione come Oceania e a una serie di adattamenti live-action di titoli classici come La Bella e la Bestia e Il Re Leone. Nel frattempo, Shrek non è scomparso dalla coscienza della cultura pop, ma il franchise è drammaticamente diminuito in prominenza e le commedie postmoderne alla moda delle fiabe sono quasi del tutto scomparse.

Shrek è stato un esempio cinematografico della candela che brucia più velocemente. Anche se è stato un cambio di gioco per l’animazione, gli studi rivali hanno preso le lezioni sbagliate dalla produzione e hanno inondato il mercato con imitazioni poco ispirate. Ironia della sorte, le nuove e sincere rivisitazioni delle fiabe della Disney Animation sembrano aver preso le giuste lezioni da Shrek. Offrendo storie che si concentrano su sorelle o persone di colore, film come Frozen e Raya e l’ultimo drago stanno cercando di fornire storie che non sono raccontate così spesso. Proprio come Shrek, osano piegare le regole di ciò che dovrebbe essere in una “tradizionale” commedia animata per famiglie, offrendo anche risate e drammi ampiamente attraenti.

Shrek avrebbe dovuto insegnare a Hollywood che i film d’animazione non devono essere una cosa sola per avere successo. Deviare dalla norma può essere rischioso, ma può anche risultare in qualcosa di speciale. Sfortunatamente, la maggior parte dei film ispirati a Shrek hanno preso spunto dai suoi riferimenti alla cultura pop piuttosto che dalla sua audace scossa narrativa.

Fonte: collider.com

Altri articoli